No hay ninguna confusión en cuanto a la escala sin precedentes del superestrellato pop de Taylor Swift ahora, y no la ha habido durante muchos años. Desde su irrupción en el crossover con Red en 2012, seguida de su unción total con 1989 dos años más tarde, consolidó su puesto como figura alfa del pop estadounidense con Reputation, el álbum de 2017 en el que transformó la fijación de los tabloides en algunas de las piezas más radicales de su carrera. La gira Eras, que duró casi dos años con un repertorio que abarcaba toda su carrera, consolidó su dominio mundial.
Pero no siempre fue así. Los comienzos de Swift como inverosímil aspirante al mundo del country hicieron que su camino a la cima fuera tortuoso e improbable. Hubo riesgos musicales audaces, obstáculos imprevistos tanto creativos como públicos, y una ardiente determinación para triunfar sobre todos y cada uno de ellos.
Su nuevo álbum, The Life of a Showgirl, se ha anunció como una vuelta a la ambición pop pura de Swift, gracias a su trabajo con los escritores y productores suecos Max Martin y Shellback, responsables de algunos de sus mayores éxitos.
El equipo de música pop de The New York Times escribió sobre los primeros momentos en que comprendieron el destino de estrella del pop de Swift.
La gira Fearless
Cuando una Taylor Swift de 19 años se presentó en el Madison Square Garden en 2009 en su primera gira nacional, era nominalmente una cantante de country. Había grabado dos álbumes en Nashville y alrededores, acompañada por guitarras, banjo, violín y guitarras de acero de pedal. La amplia difusión en la radio country fue la base de su entrada en el Top 10 del pop con los éxitos “Love Story” y “You Belong With Me”. Pero Swift cantaba sobre la secundaria, no sobre los honky-tonks, y los rasgos country apenas contenían las canciones construidas como nítidos éxitos pop, con los característicos puentes de Swift.
En el Madison Square Garden, Swift se apoyó en un personaje que a menudo le sigue sirviendo ahora -la exnovia agraviada, vengativa y cada vez más fuerte- y subió el volumen de las guitarras y el dramatismo en el escenario. Para las adolescentes que se empapaban de cada consejo de hermana mayor y gritaban las letras de las canciones, Swift ya era una estrella del pop. (Por Jon Pareles)
“You Belong With Me” en los VMA
Lo que más recuerda el mundo de esta noche es la colisión de Swift con Ye, antes Kanye West (cuatro palabras eternas: "I’mma let you finish“), mientras aceptaba el premio al mejor video femenino por “You Belong With Me”. Pero su interpretación de esa canción antes en el espectáculo -que empezó con un segmento (escenificado) en el interior de un vagón de metro de Nueva York, mientras Swift iba de camino, para terminar encima de un taxi amarillo estacionado fuera del Radio City Music Hall- fue su declaración intencionada, colándose simbólicamente en la fiesta con un vestido rojo perfecto.
La noche acabaría siendo un doble sello de la carrera de Swift en los años venideros: ambición pop muy amplia, entrelazada con un interminable drama de celebridades. (Por Ben Sisario)
Una primera incursión en el pop de US Weekly: “Dear John”
No hay manera de saber lo que ocurrió o no entre Swift y John Mayer en 2009 y 2010, y quizá en última instancia sea irrelevante. A los ojos de los fervientes fans y en las páginas de los tabloides, cualquier chispa que emanara de ellos dos a raíz de su colaboración "Half of My Heart" era auténtico fuego.
Luego llegaron esas dos figuras de guitarra al principio de “Dear John”: la primera, un rasgueo plano y plañidero; la segunda, un rasgueo semejante a un maullido irritante, casi quejumbroso.
Sencillo -casi inocente- pero innegablemente una declaración de guerra.
“Dear John”, del tercer álbum de Swift, Speak Now, es un ataque a Mayer muy al estilo de Mayer. (Supuestamente). Es sarcástica, y también hilarante, y también extrañamente triste. Somnolienta, pero astuta, es una disección de casi siete minutos que canaliza de forma animada y precisa el blues-pop soporífero que Mayer había perfeccionado en álbumes como Continuum y Battle Studies. Utilizando las herramientas de su supuesto verdugo contra él, y demostrando su propio dominio casual de un estilo que no es el suyo, Swift le arrebató su poder. Es una canción salvaje -de las más mordaces- y una de las grandes despedidas de la historia de la música pop.
A esas alturas, con solo unos pocos años de carrera, Swift ya se había convertido en el centro de atención de los chismes, pero “Dear John” fue su primera incursión verdadera en el pop de US Weekly, una canción totalmente formada al calor de la atención pública y diseñada para permanecer en ella.
Su ascenso continuó sin obstáculos, pero la canción marcó un cambio en la vida pública de Mayer. En 2012, declaró a Rolling Stone que se sentía “humillado” por cómo se le representaba en ella, y sugirió que Swift lo había intimidado con su prodigioso don para componer canciones: “¿Cómo te sentirías si, en lo más bajo que has estado nunca, alguien te pateara aún más bajo?”. (Por Jon Caramanica)
La mezcla pop de “Mine”
Antes de las versiones alternativas de Taylor, estuvieron las mezclas pop. Y después de “Love Story”, el primer single de Fearless en 2008, ya no había vuelta atrás. La canción, un éxito cruzado de country y pop, se convirtió en la primera de la historia en alcanzar el Nº 1 en los formatos radiofónicos de ambos géneros; no es que lo necesitara, pero incluso hubo una reproducción simplificada, “Love Story (Pop Mix)“, con la instrumentación simplificada y digitalizada. (La discográfica de Swift en aquel momento, Big Machine, había intentado algo parecido con “Teardrops on My Guitar”, de su debut autotitulado, pero entonces no se podía ocultar el toque country). “Love Story” alcanzó el nº 4 en el Billboard Hot 100, y “You Belong With Me” llegaría dos puestos más arriba.
Así que, cuando llegó el momento de continuar con su éxito masivo, la inteligencia omnidireccional de Swift me mostró hacia dónde se dirigían las cosas. Como álbum, Speak Now de 2010 fue una parada en el camino hacia las ambiciones a gran escala de Red y 1989, destinado a apuntalar su credibilidad diarística frente a quienes cuestionaban su pluma, sin que se encontraran compositores colaboradores en las notas de 14 pistas. Pero su single principal, “Mine”, una secuela espiritual y pieza compañera infravalorada de “Love Story” -“hiciste rebelde a la hija cuidadosa de un hombre descuidado” (!)- lo tenía todo, con una mezcla pop propia.
Podría decirse que funciona mejor que las anteriores, con los rasgueos y punteos de las guitarras del productor Nathan Chapman acelerados y suavizados, y su banjo eliminado por completo. Pero las limitaciones de género de pronto ya no vienen al caso. Swift interpretó la canción en Dancing With the Stars, alcanzó el nº 3 en el Hot 100 y Speak Now vendió más de un millón de copias en su primera semana, casi el doble que su predecesora. A partir de entonces, la mezcla pop resultaría innecesaria. (Por Joe Coscarelli)
El drop de “Trouble”
"I Knew You Were Trouble" empieza con un acorde de guitarra limpio y sincopado. Un bombo se une, subrayando el ritmo, y luego un bajo se desliza en la mezcla. Durante aproximadamente un minuto, la voz de Swift, cada vez más insistente, es la fuente impulsora del drama, cantando sobre el tira y afloja de un (mal) novio. Cuando llega a la sección previa al coro-- “Supe que eras problemático cuando entraste”, su voz galopa entre octavas-- la música se apaga, salvo por un piano que toca los acordes principales y unos cuantos rasgueos de guitarra.
Rápidamente, la canción empieza a crecer de nuevo: batería, pistas vocales dobles, más guitarras, más procesamiento. Y entonces, llega. El drop: un enorme bajo sintetizado con un familiar bamboleo dubstep.
“Trouble” fue una de las tres canciones que Swift compuso con los creadores de hits suecos Max Martin y Shellback para su álbum de 2012, Red (las otras fueron “22” y “We Are Never Ever Getting Back Together”), y anunciaba un interés genuino por comprometerse con los formatos pop del momento. El dubstep, un estilo crudo de música electrónica de baile con bajos oscilantes que hacen temblar los dientes, se había abierto camino en la corriente dominante a través de artistas como Skrillex, cuyo EP de 2010 “Scary Monsters and Nice Sprites” se convirtió en un hito. Swift atribuyó a Ed Sheeran el mérito de haberla introducido en este estilo, y dijo que había dicho a sus colaboradores que quería que la música sonara “tan caótica como se sintió esa emoción”.
Un drop -acumulación, una pausa y luego una explosión que rompe la tensión- es un sello distintivo de los sets de los DJ, las improvisaciones de las bandas de música y de cualquier lugar en el que los oyentes se deleiten con el éxtasis musical. En “Trouble”, Swift lo utiliza para reproducir el latigazo de un romance arruinado. “Oh”, grita mientras un muro de sintetizadores y bajos vibra a su alrededor. Fue un momento sorprendente y emocionante: el sonido de algo nuevo gestándose. (Por Carun Ganz)
“1989″
En otoño de 2014, Swift y su melena planchada fueron grabadas por MTV hablando con Jack Antonoff, el productor con el que había trabajado por primera vez en su próximo álbum, 1989. Aunque ya había demostrado sus credenciales pop con el éxito mundial “You Belong With Me” y había trabajado después con el maestro del pop Max Martin en Red, anunciaba 1989 como su “primer álbum pop oficial documentado”.
Sin embargo, quería dejar claro que 1989 carecía de “pop malvado”, un término que ella y Antonoff utilizaban en el estudio para definir una estética que intentaban evitar. “Pop malvado”, aclaró en esa entrevista, “es cuando estás cantando algo en tu cabeza y es como un ‘ohh’, o un ‘ooh’, y no sabes por qué, porque es vacío”. Swift afirmó que pretendía hacer algo más inteligente y con más propósito. “Si se te queda grabada en la cabeza”, dijo sobre el pop de 1989, “quiero que también sepas de qué habla la canción”.
Durante la década siguiente, en lo que respecta a la filosofía de composición de canciones de Swift, esa distinción se ha mantenido como su estrella guía. Incluso cuando ha simplificado las estructuras de sus canciones para que sean más aptas para la radio -como hizo en éxitos de 1989 como “Blank Space”, “Style” y “Shake It Off”, y en singles posteriores como “Cruel Summer” y “Anti-Hero”- Swift siempre ha hecho hincapié en el lirismo y la narración. Esas canciones estaban expertamente diseñadas para que se te quedaran grabadas en el cerebro, claro, pero al menos sabías sobre qué estabas cantando. ¿Quién dijo que todos los gusanos auditivos tienen que ser malvados? Desde luego, Taylor Swift no. (Por Lindsay Zoladz)
